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La serie “Extravaganza” è il primo gioiello d’artista di Joana Vasconcelos, ma non è il primo incontro dell’artista con il mondo del gioiello.
Pensiamo al Cuore di Viana, il classico simbolo del gioiello in filigrana portoghese, trasformato da Vasconcelos nell’iconica opera Red Independent Heart (2008), un enorme cuore rosso fatto di forchette, coltelli e cucchiai di plastica.
Vasconcelos ha sempre lavorato sulla scala e sul colore degli oggetti in relazione allo spazio architettonico, invitando lo spettatore a riflettere sul ruolo che il singolo oggetto, portato all’attenzione nelle sue proporzioni alterate, ha nella definizione dello stato sociale e dell’identità individuale e collettivo.
La collana Extravaganza, realizzata in collaborazione con la Galerie MiniMasterpiece di Esther de Beaucé a Parigi e Frédéric Hubin, (accompagnata da un testo di Lucia Pesapane) si relaziona per la prima volta al soggetto “corpo”, ed entra in stretto rapporto con il soggetto che la indossa.
Ringrazio Esther de Beaucé Joanna Vasconcelos e il suo staff per questa preziosa intervista e il tempo e l’attenzione dedicatemi.
Com’è stato lavorare al progetto di un gioiello, che in realtà è una scultura indossabile? Ci sono state differenze nel tuo processo creativo?
Grazie ai miei studi in oreficeria e disegno – e sebbene sia meglio conosciuta per le mie sculture monumentali – mi trovo perfettamente a mio agio con l’”estremamente piccolo” e amo i dettagli. In effetti, ci sono molte serie importanti all’interno del mio lavoro che contemplano opere di grande e piccola scala. E il processo in sé – schizzi, materiali, fasi di produzione – varia enormemente da un’opera d’arte all’altra. Per me non c’è differenza tra lavorare su grande o piccola scala. Tutto il lavoro inizia con un disegno preparatorio sul mio album da disegno e porto a tutti la stessa concentrazione e attenzione. Ma in realtà il mio processo creativo inizia con l’osservazione critica di ciò che mi circonda. Sono spinta dal bisogno di riflettere sulla realtà, di comunicare e di porre domande; soprattutto sono mossa dalla voglia di vivere. La mia principale fonte di ispirazione è la vita: i simboli, gli oggetti di cui ci circondiamo, il comportamento delle società nel tempo. Ciò che è trasversale nel mio lavoro è la rappresentazione e il sovvertimento di tutto ciò per generare nuove prospettive sulla realtà. Il mio lavoro si appropria, sovverte e risponde a ciò che esiste intorno a noi. La grande scala dei miei lavori più noti è solo una conseguenza di decisioni precedenti, in quanto risulta dalla mia scelta dei materiali. La diversità di scala in se stessa non ha un’abilità magica, si basa su molti componenti diversi che si uniscono. La cosa più importante per un’opera d’arte è la capacità di comunicare.
Ho trovato piuttosto interessante la scelta del nome Extravaganza, che ha una radice etimologica che rimanda all’eccentrico e all’esorbitante, tutto incentrato sulla dialettica tra un dentro e un fuori: che tipo di concetto vorresti trasferire a chi indosserà questa collana?
Per la mia collaborazione con la galleria MiniMasterpiece ho rivisitato una delle forme più ricorrenti in gioielleria: la sfera. Attraverso un gioco di accumulazione neobarocca – il termine barocco deriva dal portoghese barroco, che originariamente si riferiva all’irregolarità di un particolare tipo di perla e, più in generale, ad una produzione artistica caratterizzata dall’uso di forme sinuose, linee curve e spirali – una sofisticata collana contemporanea. Quindi Extravaganza è un esuberante gioiello barocco magmatico-frizzante che traduce l’idea del movimento attraverso una danza circolare delle sfere d’argento intorno al collo e sul petto di chi lo indossa.
Nel mio lavoro il rapporto con il corpo umano è una costante che si percepisce sia passeggiando sotto le mie installazioni su larga scala che “portando in giro” il gioiello Extravaganza. I miei pezzi consentono un’esperienza fisica, perché coinvolgono il corpo espandendosi nello spazio esterno e circostante, come fanno le sette grandi sfere della mia collana. Inoltre, la rotondità delle sfere richiama la sinuosità del corpo femminile ed evoca perle barocche che mi hanno affascinato e ispirato. In questo gioiello, la semplicità della sfera e la raffinatezza della composizione, la monocromia del metallo e i colori delle lacche, la preziosità dell’argento e la modernità della gomma, la dimensione privata di un gioiello e la dimensione pubblica della sua esposizione convivono in perfetta armonia. Una scultura-da-indossare comoda e singolare, in cui la maestria della gioielleria si unisce alla semplicità della plastica.
Nei tuoi lavori c’è molta ironia che in realtà è l’anticamera per una seria riflessione sulla condizione dell’uomo, della donna e della società contemporanea nel nostro tempo. In questo gioiello d’artista, che sembra pesante ma è leggero, raffinato grazie alla lucentezza dell’argento e divertente per le sfere colorate barocche allo stesso tempo, possiamo leggere tutta la forza della creatività che con orgoglio dovrebbe essere lasciata esprimere e non repressa: mi è sembrato un bel punto di contatto con la tua ricerca. Cosa ne pensi?
So che se fossi stato un uomo forse avrei potuto raggiungere altri traguardi o alcune situazioni sarebbero state più facili. Il predominio maschile nel mondo dell’arte arriva fino al punto che alcuni materiali – come il ferro o il legno – sono considerati abbastanza nobili per la creazione artistica e altri – come il tessuto o il ricamo – non lo sono. Il mio lavoro consiste essenzialmente nel rompere le barriere ed essere una donna reindirizza la mia prospettiva. Credo che il valore dei miei pezzi risieda nell’essere abbastanza aperti da generare letture diverse e diverse. Non intendo ascrivere un significato specifico alle mie opere. Quello che voglio veramente è far confrontare le persone con una visione critica che le faccia interrogare su ciò che le circonda. Ovviamente puoi sempre identificare alcune delle questioni che caratterizzano il mio lavoro – come i ruoli di genere nella società, il locale e il globale, il privato e il pubblico, ecc. – ma non è proprio questa la mia intenzione, poiché non desidero che le mie opere si limitino ad un certo discorso o interpretazione. Ciò che mi interessa, soprattutto, è generare discorsi attraverso la creazione di un confronto e di un dialogo tra le culture. La ricchezza dell’arte sta in questa capacità di regalarci diversi e nuovi punti di vista.
Un’ultima domanda: cos’è è il gioiello per te? Un ornamento, un’espressione dell’io interiore? Nel caso del gioiello dell’artista, un desiderio di far propria un’opera d’arte, una dichiarazione?
Un gioiello, per me, è un elemento in continuità scultorea del corpo. “Stravagante” significa ciò che va oltre i limiti e creando la mia prima collana-scultura, sto facendo esattamente questo. Sono sempre pronta per una nuova sfida! Ogni esperienza è diversa dalla precedente. Vedo ogni progetto come una nuova opportunità per esplorare tecniche, materiali o concetti. È piuttosto interessante notare come io abbia studiato design prima di specializzarmi in scultura: non avrei mai pensato di metterlo in pratica, ma penso che siamo riusciti a creare una connessione tra design e arte. Le mie sculture di solito sono molto interattive e tattili, ma questa volta dovevo avere in mente questioni ergonomiche e pratiche. Oltre all’attrattiva della sfida, mi piace il fatto che possiamo progettare cose nuove e diverse allo stesso tempo. In effetti, tutti i miei pezzi sono gioielli. Se pensi a Independent Heart, Solitaire o Marilyn, sono tutti gioielli di grandi dimensioni, sono pensati e realizzati come gioielli. La grande differenza per cui si chiama scultura e non gioielli è che mi riferisco allo spazio pubblico come a una scala, la scala dell’architettura più che la scala del corpo umano. Ma in realtà, quando penso a Independent Heart, penso esattamente come se dovessi fare un pezzo in piccola filigrana. In termini tecnici e strutturali, faccio sempre un gioiello. Marilyn ha una tecnica, ha un rapporto con il corpo, proprio come i gioielli. Non ha la fruizione che hanno i gioielli, ma, anche solo concettualmente, la vestibilità è suggerita in qualche modo. Quando vedi il solitario, sai come quell’oggetto si relaziona al corpo, fisicamente, anche se non puoi usarlo. Concettualmente, usi quei pezzi. Quindi, in realtà penso proprio come i designer di gioielli, con la differenza che loro progettano i pezzi e poi li eseguono con grande qualità, io non penso nella stessa scala ma il processo rimane lo stesso.
Nata nel 1971, Joana Vasconcelos è un’artista visiva portoghese con una carriera di 30 anni, nota per le sue sculture monumentali. Traendo ispirazione dalla vita quotidiana, dai riferimenti pop, dalle tradizioni portoghesi e dall’opulenza del barocco, Joana Vasconcelos stabilisce anche un dialogo con artisti che l’hanno preceduta, come Bernini o Duchamp. Sulle orme di Niki de Saint Phalle o Louise Bourgeois, il suo lavoro raccoglie un’ampia varietà di media e materiali, dal video al tessile. Aggiorna il concetto di arti e mestieri al XXI secolo, incanalando le vecchie tecniche nella pratica contemporanea. Le sue sculture immersive site-specific e le installazioni personalizzate lavorano in dialogo con l’architettura del luogo, richiamando l’interazione dello spettatore. La sua arte stimolante ma colorata ed edificante raggiunge il pubblico di tutte le età e ceti sociali. Il successo internazionale è arrivato con la prima Biennale di Venezia curata da donne con The Bride nel 2005, seguita da Trafaria Praia, il primo padiglione galleggiante della Biennale che rappresenta il Portogallo nel 2013. La più giovane artista e l’unica donna ad aver mai esposto alla Reggia di Versailles, la sua mostra del 2012 è stata la più visitata in Francia negli ultimi 50 anni. Nel 2018 Vasconcelos è diventata la prima artista portoghese a esporre al Guggenheim Bilbao con una grande retrospettiva che è stata una delle più visitate nella storia del museo e ha raggiunto il 4 ° posto nella Top 10 delle mostre annuali di The Art Newspaper. Il suo lavoro è stato presentato in importanti musei e gallerie, come Palazzo Grassi, The Thyssen Bornemisza, Royal Academy of Arts, Manchester Art Gallery, CCBB di San Paolo, Istanbul Modern, Garage Center for Contemporary Culture di Mosca, La Monnaie Paris, Palais de Tokyo e Hermitage. Le sue opere si trovano nelle principali collezioni internazionali, come quelle di Calouste Gulbenkian, Coleção Berardo, The Ömer Koç, Tia Collection, François Pinault e Louis Vuitton’s Foundations. Le sono stati assegnati oltre 30 premi nel corso della sua carriera. Nel febbraio 2022 è diventata Ufficiale dell’Ordine delle Arti e delle Lettere dal Ministero della Cultura francese, titolo che si è aggiunto al grado di Comandante dell’Ordine Infante D. Henrique dalla Presidenza della Repubblica portoghese ricevuto nel 2009. È stata considerata Personalità dell’Anno dalla Foreign Press Association nel 2012 e ha vinto il Contemporary Art Prize in Israele nel 2013. Nel 2012 l’artista ha creato la Fondazione Joana Vasconcelos con l’obiettivo di promuovere le arti per tutti. Oltre a gestire la sua collezione d’arte, collabora regolarmente con altri enti filantropici per sostenere cause sociali, sviluppare iniziative di raccolta fondi, creare edizioni speciali e/o stampe. Ogni anno assegna borse di studio per incoraggiare lo studio delle arti.
INFO
Extravaganza. Joana Vasconcelos
Galerie Minimasterpiece, Paris
“Extravaganza”series is Joana Vasconcelos’s first artist’s jewel, but it is not the artist’s first encounter with the jewel’s world: let’s think of the Heart of Viana, the classic symbol of Portuguese filigree jewel, transformed by Vasconcelos into the iconic work Red Independent Heart (2008), a huge red heart made up of plastic forks, knives and spoons.
Vasconcelos has always worked on the scale and color of objects in relation to the architectural space, inviting the viewer to reflect on the role that the single object, brought to attention in its altered proportions, has in the definition of social status and individual identity and collective.
The Extravaganza necklace, created in collaboration with Esther de Beaucé’s Galerie MiniMasterpiece in Paris created in collaboration with Esther de Beaucé’s Galerie MiniMasterpiece in Paris and Frédéric Hubin, (accompanied by a text by Lucia Pesapane), relates for the first time to the subject “body”, and enters into a strict relationship with the subject who wears it.
I wish to thank Esther de Beaucé, Joanna Vasconcelos and her staff for this precious interview and the time and attention they dedicated to me.
What was it like working on a project for a jewel, which is in fact is a wearable sculpture? Were there any differences in your creative process?
Thanks to my studies in jewellery and drawing – and although I’m better known for my monumental sculptures – I’m perfectly at ease with the extremely small and have a love for the detail. As a matter of fact, there are many important series within my work that contemplate large and small scale works. And the process in itself – sketches, materials, production stages – varies tremendously from one artwork to the next. For me there is no difference between working on a large or small scale. All work starts with a preparatory drawing on my sketchbook and I bring to each and everyone the same concentration and attention. But in fact, my creative process begins with the critical observation of my surroundings. I am driven by a need to reflect on reality, to communicate and to raise questions; above all, it is driven by the will to live. My main source of inspiration is life: symbols, objects we surround ourselves with, the behavior of societies over time. What is transversal in my work is the representation and subversion of all this, in order to generate new perspectives on reality. My work appropriates, subverts and responds to what exists around us. The large scale of my most known works is only a consequence of previous decisions, as it results from my choice of materials. The scale by itself does not have a magical ability, it relies on many different components coming together. The most important thing is the ability of an artwork to communicate.
I found the choice of the name Extravaganza quite interesting, which has an etymological root that leads to the eccentric and the exorbitant, all centered on the dialectic between an inside and an outside: what kind of concept would you like to transfer to the wearer of this necklace?
For my collaboration with MiniMasterpiece gallery, I’ve revisited one of the most recurrent forms in jewellery: the sphere. Through a play on neo-baroque accumulation – the term baroque comes from the Portuguese word barroco, which originally referred to the irregularity of a particular kind of pearl and, more generally, to an artistic production characterized by the use of sinuous forms, curved lines and spirals – a sophisticated contemporary necklace. So, Extravaganza is an exuberant magmatic-bubbly baroque jewel that translates the idea of movement through a circular dance of the silver spheres around the neck and on the chest of the wearer.
In my work, the relationship to the human body is a constant that one perceives while walking through or under my large scale installations, or while carrying around the Extravaganza jewel. My pieces allow a physical experience, because they involve the body while expanding into the external and surrounding space, as the seven large spheres of my necklace do. Also, the roundness of the spheres recalls the sinuosity of the female body and evoques baroque pearls which fascinated and inspired me. In this jewel, the simplicity of the sphere and the sophistication of the composition, the monochromy of the metal and the colors of the lacquers, the preciousness of the silver and the modernity of the rubber, the private dimension of a jewel and the public dimension of its display coexist in perfect harmony. A comfortable and singular sculpture-to-wear, in which the mastery of jewellery is combined with the simplicity of plastic.
In your works there is a lot of irony that is actually the antechamber for a serious reflection on the condition of men, women and contemporary society in our times. In this artist’s jewel, which seems heavy but it’s light, which is refined thanks to the luster of silver and funny for the baroque coloured spheres at the same time, we can read all the power of creativity that should be proudly left to express and not repressed: it seemed to me a nice point of contact with your research. What do you think?
One last question: what is the jewel for you? An ornament, an expression of the inner self? In the case of the artist’s jewel, a desire to make a work of art one’s own, a declaration?
A jewel, for me, is a sculptural continuity of the body. Extravagant means what goes beyond the limits and by creating my first necklace-sculpture, I’m doing exactly that. I’m always ready for a new challenge! Each experience is different from the previous one. I see each project as a new opportunity to explore techniques, materials or concepts. Interestingly enough, I have studied design prior to specialising in sculpture. I never thought I would put it to use but I think we managed to create a connection between design and art. My sculptures are usually very interactive and tactile, but this time around I needed to have ergonomic and practical concerns in mind. In addition to the attractiveness of the challenge, I like the fact that we can design new and different things together. In fact, all my pieces are jewels. If you think about Independent Heart, Solitaire or Marilyn, they all are large-scale jewels. They are thought and made as jewels. The big difference why it’s called sculpture and not jewellery is that I refer to the public space as a scale, the scale of architecture more than the scale of the human body. But actually, when I think about Independent Heart, I think exactly as if I had to make a piece in small filigree. In technical and structural terms, I’m always making a jewel. Marilyn has a technique, has a relationship with the body, just like jewellery. It doesn’t have the usability that jewellery has, but it does have, even conceptually, the wearability is there in some way. When you see the Solitaire, you know how that object relates to the body, physically, although you can’t use it. Conceptually, you use those pieces. So, I actually think just like jewellery creators. They are the ones who design pieces and then execute them with great quality, I just don’t think in the same scale but the process remains the same.
INFO
Extravaganza. Joana Vasconcelos
Galerie Minimasterpiece, Paris
Born in 1971, Joana Vasconcelos is a Portuguese contemporary visual artist with a 30-year career, renowned for her monumental sculptures. Drawing inspiration from everyday life, pop references, Portuguese traditions and the opulence of the Baroque, Joana Vasconcelos also establishes a dialogue with artists who preceded her, such as Bernini or Duchamp. In the footsteps of Niki de Saint Phalle or Louise Bourgeois, her work gathers a wide variety of media and materials, from video to textile. She updates the arts & crafts concept to the 21st century, channelling old techniques into contemporary practice. Her immersive site-specific sculptures and customised installations work in dialogue with the architecture of the place, calling upon the interaction of the viewer. Her thoughtprovoking yet colourful and uplifting art reaches audiences from all ages and walks of life. International acclaim arrived with the first Venice Biennale ever curated by women with The Bride in 2005, followed by Trafaria Praia, the first floating pavilion in the Biennale representing Portugal in 2013. The youngest artist and the only woman ever to exhibit at the Palace of Versailles, her 2012 exhibition was the most visited in France in 50 years. In 2018, Joana Vasconcelos became the first Portuguese artist to exhibit at Guggenheim Bilbao with a major retrospective, which was one of the most visited in the museum’s history and reached 4th place in The Art Newspaper’s annual exhibitions’ Top 10. Her work has graced major museums and galleries, such as Palazzo Grassi, The ThyssenBornemisza, Royal Academy of Arts, Manchester Art Gallery, São Paulo’s CCBB, Istanbul Modern, Moscow’s Garage Center for Contemporary Culture, La Monnaie Paris, Palais de Tokyo and the Hermitage. Joana Vasconcelos’ art can be found in major international collections, such as those of Calouste Gulbenkian, Coleção Berardo, The Ömer Koç, Tia Collection, François Pinault and Louis Vuitton’s Foundations. In total, more than 30 awards have been granted to the visual artist throughout her career. In February 2022, Joana Vasconcelos became an Official of the Arts and Letters Order by the ATELIER JOANA VASCONCELOS French Ministry of Culture, adding to the degree of Commander of Infante D. Henrique Order by the Presidency of the Portuguese Republic in 2009. She was considered Personality of the Year by the Foreign Press Association in 2012 and won the Contemporary Art Prize in Israel in 2013. In 2012, the artist created Joana Vasconcelos Foundation aiming to promote arts for all. Besides managing her art collection, it collaborates regularly with other philanthropic entities to support social causes, develop fundraising initiatives, create special editions and/or prints. Every year it awards scholarships to encourage the study of the arts.
